【徹底解説】ランウェイショーとは｜服を売る商談と、時代への問いかけが同じ舞台で起きている
ランウェイショーとは、デザイナーが新作コレクションをモデルに着せ、細長い舞台を歩かせて披露するイベントのことだ。
次のシーズンに何が流行るかを示す発表の場であり、同時にバイヤーやプレスが仕入れを決める商談の場でもある。
この二重性を押さえると、なぜあるショーが単なる新作発表を超えて社会を騒がせ、何年も経ってから語り直されるのか、その理由が見えてくる。
一文で言えば、服を着て歩いて見せるイベントのこと
厳密にしておきたい言葉がある。
「ランウェイ」と「ファッションショー」は、普段ほぼ同じ意味で使われるが、層が違う。
ランウェイは舞台そのもの、つまりモデルが歩く細長いステージを指す。
ファッションショーはそれを含むイベント全体を指す。
「キャットウォーク」も同じ舞台の別名だ。
この呼び名の由来が面白い。
もともとは橋の建設現場や船の上で使われた、高いところに渡された狭い足場のことだった。
猫が高く狭い場所でも優雅に歩くさまになぞらえられ、いつしかモデルの歩く舞台を指すようになった。
つまり舞台を指す言葉には、ファッションの外から来た比喩が二つも混ざっている。
どこから来たか——古代の誇示から、19世紀パリの逆転へ
「ファッションショーは20世紀パリのオートクチュールが生んだ華やかな文化だ」とよく言われる。
半分正しくて、半分は違う。
衣服を見せて地位や富を誇る行為そのものは、はるか昔からあった。
古代エジプトでは、衣服が地位・権力・富の象徴として展示されていたという。
見せるために服を並べる発想は、ここまでさかのぼれる。
ただ、それは服を陳列しただけだ。
現代のショーのように、人が着て歩いたわけではない。
現代的な形がパリで輪郭を得たのは19世紀。
オートクチュールの父と呼ばれるCharles Frederick Worthが、仕事の順番をひっくり返した。
それまで仕立屋は、客の注文を受けてから服を作っていた。
Worthは先にサンプルを作り、生きたモデルに着せて店内を歩かせ、それを見た客から注文を取るやり方を築いた。
これが一般にファッションショーの始まりとされる。
最初のモデルは、彼の妻Marieだったと言われている。
さらに1910年、Paul Poiretがパリ・オートクチュール組合を設立し、年に2回ショーを開くという枠組みを制度化した。
いまも続く「シーズンごとの発表」の原型は、ここでできた。
何がこれに当たり、何が当たらないか
境界は、思うほど単純ではない。
モデルが服を着て観客の前の舞台を歩く——この発表形式が、まぎれもなくランウェイショーだ。
私的な顧客向けのサロン発表だけでなく、1903年にパリのボン・マルシェ百貨店で開かれたような、記録に残る初の一般公開ショーも含まれる。
一方、古代エジプトのように服を展示するだけで着る人が歩かない陳列は、起源の遠縁ではあっても、現代のランウェイショーそのものではない。
人が着て動くこと。
そこに一つの線がある。
では、人が歩かないデジタルショーはどうなるのか。
これは後で考えたい。
ちなみに、ランウェイを歩くモデルには、最低身長175cm、ウエスト約60cm、ドレスサイズ34〜36といった基準があるとされる。
かなり限られた体型だ。
この前提そのものを揺さぶった人物は、後で出てくる。
混同されやすい三つ——ショー、ウィーク、展覧会
ファッションショーとよく混ざるものが三つある。
一つはファッションウィーク。
これは複数ブランドのショーが一つの期間に集まる、見本市のような制度を指す。
個別のショーより一段大きな枠だ。
ニューヨーク・ロンドン・ミラノ・パリの四つが、世界四大コレクションと呼ばれる。
もう一つは美術館での展示。
たとえばMetropolitan美術館のコスチューム・インスティテュートの企画展は、服を見せる点では似ているが、モデルが歩くわけではなく、過去の作品を鑑賞の対象として並べる。
目的がまるで違う。
残る一つがキャットウォーク。
これは先に触れたとおり、ランウェイという舞台の別名だ。
ショーは一回のイベント、ウィークはそれが集まる期間、展覧会は鑑賞の場。
層を分けて見ると、混乱しない。
制度として——パリ一極から、都市の多極へ
Poiretの組合が原型を作ったあと、ショーは制度として広がっていく。
転機は1943年だ。
第二次世界大戦のさなか、Eleanor LambertがニューヨークでPress Weekを組織した。
戦時下のフランスから注目をそらし、アメリカ人デザイナーを紹介する狙いがあった。
これが後のニューヨーク・ファッションウィークの基礎になる。
パリ一極だった構図が、ここから都市ごとに分かれていく。
いま四大コレクションと呼ばれる体制は、この延長線上にある。
アジアに目を向ければ、東京ファッションウィークがアジア最大規模で、アバンギャルドやストリートウェアの世界的ショーケースとして知られる。
2019年以降は楽天が冠スポンサーを務め、「Rakuten Fashion Week TOKYO」として運営されている。
ただし、東京を四大都市と肩を並べる存在と見るかどうかには異論がある。
国際的な影響力では従来の四大都市に遅れる、という意見も根強い。
位置づけは、まだ定まっていない。
意味が変わった瞬間——無表情、黒、スーパーモデル、スーパーマーケット
ショーは何度も意味を変えてきた。
象徴的な転換がいくつかある。
まず、モデルの表情だ。
いまランウェイのモデルが無表情を貫くのは、観客の注意を服へ向けるためだとされる。
これを「昔からの伝統」と思う人は多い。
だが、この不文律が広まったのは1980年代初頭、山本耀司や川久保玲ら日本人デザイナーが台頭してからだと言われている。
それ以前は、当たり前ではなかった。
その川久保玲が、1981年のパリ初出展で放ったのが「黒の衝撃」だ。
穴の開いたセーター、裾がほつれた黒い服。
いまでこそ前衛として称賛されるが、当時の欧米メディアの反応は辛辣だった。
「スイスチーズのよう」「ボロボロの貧乏服」、そして「Hiroshima chic」とまで揶揄された。
評価がひっくり返ったのは、その後のことだ。
「未完成の美」「秩序の解体」として読み直され、アバンギャルド・ファッションの幕開けと位置づけられていく。
彼女は若く細身のモデルだけでなく、年配女性や妊婦を起用した先駆者でもあった。
先ほどのモデルの体型基準を、根本から問い直していたことになる。
次の転換は、真逆の方向から来た。
1991年秋冬、Gianni Versaceがリンダ・エヴァンジェリスタやクリスティ・ターリントンといったスーパーモデルを一斉に起用した。
ショーは美しさを見せるだけの場から、物語と話題性を生むスペクタクルへと変わった。
スペクタクル化は、やがて極限まで振り切れる。
2014年、Karl LagerfeldはChanelのショーのためにグラン・パレを巨大なスーパーマーケットに改造した。
モデルはロゴ入りのショッピングカートを押して「買い物」を演じ、最後にはこうアナウンスが流れた。
「ご自由に果物と野菜をお持ち帰りください」。
服を売る場が、服を売る場そのものを舞台装置にしてしまった。
ショーは論文にもなる——マックイーンの仕掛け
スペクタクルを「ただ奇抜なだけの演出」と見るのは、たぶん浅い。
Alexander McQueenは、自身の名を冠したブランドで1992年から2010年まで36のウィメンズウェアコレクションを発表した。
彼のショーは演劇的でパフォーマンスアート的であると同時に、思想を提示する場だった。
2001年春夏の「Voss」がわかりやすい。
彼は鏡張りの箱を使い、観客にわざと自分自身を見つめさせた。
そのうえでショーを1時間遅らせ、観客に不快感を与えた。
美とは何か、社会の圧力とは何か——ショーは、そういう問いを突きつける論文のように組まれていた。
1999年秋冬の「The Overlook」は、映画『シャイニング』の架空のホテルに着想を得ている。
ルサイト製の箱に数千本のろうそく、樺の森、人工雪、氷の床。
幕間にはモデルがスケートで滑る演出まであり、スタンディングオベーションを得た。
ここまで来ると、ショーは服の発表であると同時に、ひとつの作品だ。
いまどうなっているか——身体の境界が問われている
ここで、さっき開けておいた問いに戻る。
人が歩かないデジタルショーは、ランウェイショーと呼べるのか。
3DCGやメタバース空間で開かれるデジタルファッションショーは、服の発表という機能はしっかり果たす。
地理的な制約がなく、世界中の誰でも参加でき、ブランドの費用も時間も抑えられる。
2020年前後、COVID-19を契機に本格化した（この年、東京ファッションウィークは中止になった）。
ただ、実空間の身体性は欠けている。
人が着て、その場で歩く——その手応えがない。
だから、同じ発表機能を持ちながらも、ランウェイショーの境界事例と見るのが正直なところだろう。
面白いのは、現実のショーのほうも身体の境界を揺さぶり始めていることだ。
2025年のパリでは、日本のアンリアレイジが約10,000個のフルカラーLEDを織り込んだデジタルドレスを発表した。
服そのものが光る装置になっている。
さらに2024年、ソウルの「Mach33：フィジカルAIファッションショー」では、人間のモデルとヒューマノイドロボットがペアを組み、揃いの衣装でランウェイを歩いた。
ここでは服が、ロボットの「人格」を表現する手段として捉えられている。
衣装はロボットの構造やバッテリーの発熱に対応するため「工学的安全設計」を導入し、数十回の反復テストを経て作られた。
ブランド名は、宇宙へ進出するのに必要な最低速度に由来する。
ランウェイショーは廃れていない。
服・空間演出・映像・デジタル技術・観客との接点を統合した「総合的な体験設計」へと拡張しながら、「誰が、何を着て歩くのか」という前提そのものを問い直す場になっている。
これを知ると何が読めるようになるか
ランウェイショーを理解すると、ブランドが単に服を売る以上のことをしているのが見えてくる。
商談の場という商業的な機能と、パフォーマンスアートとしての表現機能。
この二つが同じ舞台で同時に動いている。
だからこそ、あるショーは衝撃を与え、物議を醸し、後になって再評価される。
「黒の衝撃」が揶揄から称賛へ反転した道のりも、グラン・パレがスーパーマーケットに化けた仕掛けも、この二重性を知っていれば読み解ける。
次にどこかのショーがニュースになったとき、それが商談として騒がれているのか、それとも時代への問いかけとして騒がれているのか。
その見分けがつくようになる。
FAQ
Q. ランウェイとキャットウォークは違うもの？
A. ほぼ同じで、どちらもモデルが歩く細長い舞台を指す。
キャットウォークという呼び名は、橋の建設や船で使われた高所の狭い足場に由来し、猫が優雅に歩くさまになぞらえられたものだ。
Q. 世界初のファッションショーはどこで開かれた？
A. 記録に残る初の一般公開ショーは、1903年パリのボン・マルシェ百貨店とされる。
ただし、同じ1903年にニューヨークのエールリッヒ・ブラザーズ店が最初の「アメリカの」ショーだった可能性を指摘する説もあり、見解は一致していない。
Q. モデルはなぜ無表情で歩くの？
A. 観客の注意を服へ向けるためとされる。
ただし、この不文律が広まったのは1980年代初頭、山本耀司や川久保玲ら日本人デザイナーが台頭してからと言われており、昔からの伝統というわけではない。
Q. 世界四大コレクションとは？
A. ニューヨーク・ロンドン・ミラノ・パリで開催されるファッションウィークの総称だ。
東京ファッションウィークはアジア最大規模だが、四大都市と並ぶかどうかには異論がある。
Q. ショーは新作を見せるだけの場なの？
A. いや。
バイヤーやプレスが翌シーズンの仕入れを決める商談の場であると同時に、デザイナーがブランドの世界観や哲学、時代への問いかけを発信する表現の場でもある。
この二つの顔を併せ持つのが、ランウェイショーの本質だ。
